グラフィティ アート。 グラフィティアート界のレジェンド、フューチュラが語る「テクノロジーとの接点、ECサイト閉鎖の真相」

壁があればどこでも出現!ストリートアート・グラフティの世界

グラフィティ アート

まさかのテック好きでした。 地元ニューヨークのストリートを拠点に70年代から活動を開始し、これまでにミューラル〈壁画〉、スプレーアート作品を世に送り出してきたグラフィティアート界のレジェンド中のレジェンド、フューチュラ(FUTURA)。 アートシーンだけでなく、これまでに70年代オリジナル・パンクの雄であるザ・クラッシュ、90年代のクラブシーンを席巻したMo'Waxのジェームズ・ラベルら音楽業界のカリスマたちへの作品提供や、ストリートブランドOff-White(オフホワイト)のディレクターであり、2018年には、ルイ・ヴィトン、メンズ部門のアート・ディレクターに就任したヴァージル・アブローとのコラボでも話題になるなど、グラフィティアートの領域に留まらない幅広い活躍で知られています。 そんな彼が手がけるブランド「Futura Laboratories」とクリエイティブプラットフォーム「Co:Labs」とのコラボレーションイベント「Secret Experience by Co:Labs x Futura Laboratories」が9月29日、9月30日の2日間限定で原宿・JINGにて開かれました。 FUTURAの代表的なスタイルの一つである「Atoms」が光でオブジェとして初めて立体化し、その周囲をパノラマウォール、床面、ロッドのLEDで覆い尽した。 注目は、従来の2次元ではなくデジタルを駆使して表現されたアート作品の展示。 3Dアニメーションを使った展示や、LEDと音楽、スモークを連携させた空間演出など、これまでのグラフィティアーティストとしてのイメージからは一線を画すものでした。 ではなぜ、アナログなイメージのあるグラフィティアート界のレジェンドは今回、テクノロジーを駆使したデジタルでのアート表現に取り組むことにしたのでしょうか? 意外にもギズモードのファンということで快く受けてくれた今回のインタビュー。 彼が考えるデジタル、テクノロジーとアートの関わりについて話をうかがいました。 よろしくお願いします。 FUTURA(以降F):ギズモードのことは知っているよ。 もうずっと有名だしね(笑)。 F:僕はギズモードのファンだし、ここ20年くらいの間、オンラインだとかヴァーチャルリアリティ空間においてプレゼンスを確立するとかそういうことに取り組んでいるけど、例えば、Instagramだとかモダンなテクノロジーが世の中に誕生する前からオンラインで活動しているんだよ。 だから君たちが紹介している新しいテクノロジーが生み出すソフトウェアやアプリ、プログラムにはとても関心を持っているよ。 確かに最新のテクノロジー自体には興味があるんだけど、考えてみるとそういうものって、実はもう多くの人が手に入れていると思うんだよね。 常に新しいものに興味を持ってそれを吸収することについては特に否定しないよ。 でも今回、「Futura Laboratories」と「Co:Labs」がコラボしてこういった展示ができたことは、テクノロジーが新たな道筋を示してくれたからだと思っている。 今までの僕の作品は2次元での表現だったけど、動画だとかこういった感じの3次元で作品を表現できることは自分にとっても新鮮なんだよね。 だからそういう意味ではこれまでとはまた違った期待感を膨らませるものになっているんだよ。 F:「Futura Laboratories」にとって、デジタルを使った表現はまさに今後の方向性といえるものなんだ。 今回のコラボは僕にとってもこれまで自分が認識していたアートをさらに広げてくれるような期待感を持っているんだ。 もちろん、こういったものはプロダクトだとか作品という形で表現されはするんだけど、今回の作品ではそのイマジネーションをひと押しして、若者たちにもわかる言語、媒体、つまりデジタルとして表現することを試みたんだ。 1996年にはウェブサイトを立ち上げたし、HTMLの知識も独学で勉強した。 そういったことは自分のアイデンティティを表現するためにやってきたことで、今回の「Futura Laboratories」の取り組みは物理的、有機的なアートをこれまでとは違う形で表現する、リブートするということなんだ。 つまり手描きのグラフィティを、テクノロジーを使って、作品を違う形で投影し、表現していくことだと解釈している。 今回のコラボは僕にとっても新たな領域を切り開いてくれるものなのさ。 今後、未来的なものを描くことについてどうお考えですか? F:その質問については僕自身、これから考えていかなければならないことだし、今回のコラボをひとつのきっかけにして今後、その認識はどうあるべきなのかを追求していくべきだと思っている。 ところで君は、KATSUっていうアーティストのことを知っているかい? 彼はドローンをプログラミングしてスプレー塗装でアートワークを作るアーティストなんだよ。 その手法はこれまでのグラフィティ、ストリートアートをひねって解釈してみせたものなんだけど、それもいってみればこれまでのグラフィティとは同じ分野のアートなんだ。 KATSUの話をしたのは彼と今の僕とではやり方は違うけど、テクノロジーを駆使する手法を取っているアーティストとしては共通しているからさ。 機会があればコラボしてみたいと思うよ。 でも今後については明確な目的みたいなものは実はないんだ。 ただ、どこかには向かっていきたいとは思うけどね。 そして、今はファッションやテクノロジーをうまく利用している様々なアーティストとコラボしていますね。 F:アートも音楽もいってみれば芸術のひとつなんだ。 そのふたつのクリエイティヴな領域が組み合わさって生まれたのが音楽業界とのコラボだった。 80年代当時、ザ・クラッシュは僕の地元ニューヨークで活躍していたんだけど、僕自身は彼らの音楽についてはまったく知らなかった。 でもひょんなきっかけがあって、彼らのために作品を作ったら、すごく気に入ってくれた。 そこから付き合いが始まって、何かコラボしようという話になったんだよ。 あとジェームズ・ラベルとのコラボも僕のキャリアの中では重要な出会いだったといえるね。 当時の若者たちは音楽にとても興味を持っていたし、僕自身も若者たちの心を掴むにはどうしたらいいのか?ということを考えていた。 音楽は僕にとって新しい媒体だったんだけど、音楽とコラボをすれば、きっと彼らの心を掴むことができる。 そう思ったからアートと音楽のコラボを始めたよ。 まあ、今となってはそれはごくごく一般的なものになっているけどね。 幅広くコラボに取り組んでいるのは、「Futura Laboratories」の存在を多くの人に知ってもらうためなんだ。 だから、今回の「Co:Labs」とのコラボも僕の知名度を上げてくれると思っているよ。 そして、それはすべて自分のアイデンティにつながることでひとりの人間の存在をみんなに知ってもらうだけでなく「Futura Laboratories」というブランドの存在も知ってもらいたいという想いがある。 だからこそ、今後もいろいろなコラボに取り組んでいきたいと思っているよ。 これだけ転売が広まったのはインターネットの弊害とも感じます。 この点についてどのような見解をお持ちですか? F:そうだね、君がいうとおり「Futura Laboratories」のECサイトを展開して、スケートデッキを販売していたんだけど、まず閉鎖した理由は別に転売行為が広がっているからではないんだ。 僕が使っていたECサイトのプラットフォームセキリュティがあまりにも脆弱だったから海賊盤のECサイトに乗っ取られてしまったんだよ。 例えば12時きっかりにECサイトでスケートボードを販売するとしよう。 普通ならお客さんは1分くらいで購入することが物理的に可能なんだけど、そこにBotが不法に介入してきて、別の海賊盤ECサイトに彼らを誘導するということが起きてしまった。 それに対して僕は怒りが収まらなかったんだ。 定価120ドルのものを500ドルで転売することは、ある意味でビジネスといえば、ビジネスだから理解できなくもない。 もし、僕が営利目的で大量生産して売れば売るほど儲かるという考えをもっているんだとすれば、まあそれはそれで構わないよ。 だって転売されようが僕自身は少なくとも利益を得られるわけだから。 でも、僕のお客さんは、限定数生産のスケートデッキの価値をちゃんと見出してくれている。 僕自身もそのことに喜びを感じている。 だからこそ、今回、ECサイトは閉鎖したけど、近い将来もう一度立ち上げたいとは思っている。 でもその時には悪用されないようにしっかりとしたセキリュティシステムを導入する必要がある。 やっぱり転売目的でなく、自分で使いたいから商品が欲しいという人がいる限り、僕としては販売はしてあげたい。 ただ、そういう気持ちを利用して悪質なことをする奴らに対しては怒りを覚える。 ビジネスで何かを勝ち取りたいなら公平にやる必要があるし、人の立場を悪用するようなことはやめるべきだ。 僕に関していえば、自分でECサイトを立ち上げて、販売だけじゃなく梱包から出荷まで全部1人でやっていたんだよ。 だから当然、そこには僕の感情も込められているわけで。 そして、お客さんもECサイトで商品を購入するという体験を通して僕とパッションを共有するんだ。 そうすることで彼らと僕との間に信頼関係が生まれるんだよ。 だからこそ、不法行為を働く奴らがその信頼関係を壊していくのは許せないし、認めることはできない。 そういうことがあったのでECサイトを閉鎖したというわけ。 ただ良い勉強になったから、この経験は今後に活かしていきたいと思うよ。 Photo: 照沼健太• Tags :•

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【美術解説】グラフィティ「許可なくドローイングやライティングをする行為」

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都市部の公共建築の壁面や塀、鉄道駅の構内や地下鉄車両の内外などに描かれた落書きの総称。 チョークや着色スプレーを用いて、丸みを帯びた文字や記号、連続した模様などが描かれることが多い。 またマニアのあいだでは、ビルの高層階など描きにくい場所に描かれたものほど高く評価される傾向がある。 先進諸国の大都市圏で広く見られるが、ルーツは1970年代のニューヨークにあるとされ、その流行が国際的に広まるうちに、本来は壁画研究の文脈で使われていた学術用語の「グラフィティ」graffitiを「落書き」という日常的な意味で用いることが一般化していった。 落書きに美術としての側面を見るグラフィティ・アートという概念は、そのプロセスで派生したものである。 1980年代初頭のニューヨークで、2人の新人作家が登場した。 1人は雑多な人々が行きかう地下鉄の車内を舞台として社会的なメッセージ性の強い「サブウェイ・ペインティング」を描いたキース・ヘリングであり、もう1人はスプレーで描いた王冠の絵や手製のポストカードがアンディ・ウォーホルに認められたジャン・ミシェル・バスキアである。 彼らはともにニューヨークの市中で落書きを描いていたストリート・アーティストであった。 アート・シーンで彼らの名声が向上し、また作品発表の場が美術館やギャラリーに移行するにつれて、従来の美術とは明らかに異質であった造形的特徴を指して「グラフィティ・アート」と呼ばれるようになった。 市街での落書きに対する関心は同時期のヨーロッパでも見られた。 なかでもベルリンの壁の西側には、壁の構築時から多くの落書きが描かれ、その落書きのなかには、無名の市民に混じってクリスチャン・ボルタンスキーらの「作品」も含まれていた。 時期的に一時の熱狂より少し以前にまでさかのぼることから、グラフィティ・アートの先駆をニューヨークではなくこちらとみなす場合もある。 ほかには、アムステルダムのゴッホ美術館や市立近代美術館の周辺などが、1980年代前半には落書きによって埋め尽くされていたことで著名である。 今日では、造形上の特徴が落書きに類似していれば、たとえストリート出身ではなくてもグラフィティ・アートの作家とみなされることが多い一方、落書きは相変わらず盛んに描かれているにもかかわらず、ヘリングとバスキアの死後、彼らに匹敵するストリート・アーティストは出現せず、グラフィティ・アート自体が1980年代的なアートの一様式に収まってしまった観がある。 しかし、落書きとは本来「いたずら書き」や「なぐり書き」を意味する言葉であり、技術的洗練からはほど遠い一方、芸術のもっとも根源的な衝動に近い表現であることを忘れるべきではない。 [暮沢剛巳] 『中原佑介編『ヒトはなぜ絵を描くのか』(2001・フィルムアート社)』.

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グラフィティアート界のレジェンド、フューチュラが語る「テクノロジーとの接点、ECサイト閉鎖の真相」

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世界で最も有名なグラフィティーアーティスト、BANKSY(バンクシー)の経歴について紹介します。 今でこそアーティストとして不動の地位を築いている彼ですが、注目されるキッカケや現在に至るまでの活動などを調べてみました。 BANKSYといえば世界中を驚愕させた 「シュレッダー事件」が記憶にあたらしいかと思います。 もちろんこれを仕組んだのはBANKSY本人。 後日instagramにシュレッダーの制作風景がアップされています。 この記事の目次• BANKSY(バンクシー)が注目されたキッカケ BANKSY(バンクシー)はイギリス・ブリストル出身のアーティスト。 年齢や素顔などは一切非公開で作品を発表しています。 banksy. BANKSYの名を一躍有名にしたのが2005年、MoMa、メトロポリタン美術館、ブルックリン美術館といった 有名美術館に自らの作品を無断で設置するという斬新なアイデアでした。 そして設置された作品は非常に完成度が高く、同年、大英帝国博物館に設置された 『街外れに狩りにいく古代人』というタイトルがつけられたショッピングカートを押す人を描いた「遺跡のかけら」とされる作品を設置。 これは後に同博物館の正式なコレクションに追加されることとなります。 グラフィティーアートの世界では、ストリートにスプレーなどで絵や文字を描くことをボム(ボミング)と言いますが、BANKSYは有名美術館にボムした事で非常に話題になりました。 その様子を撮影した映像にはBANKSYが入場者を装って、 壁に作品を貼り付けて去っていく様子が映し出されています。 その後の活躍は皆さんもご存知の通り。 そして今や彼の作品は芸術としてその価値が認められ、世界中のセレブがこぞって買い求めています。 しかし人気アーティストとなってからもBANKSYはその正体を一切明らかにせず、覆面アーティストとして様々な方法で作品を発表し続けています。 パレスチナ分断の壁に作品を描く パレスチナとイスラエルを分断する壁。 彼はこの壁に作品を描いています。 風船を持って飛び上がり壁を越えようとする少女、壁にかかるはしご、割れ目からのぞく壁の向こうには美しい景色が広がっている様を描きました。 フランスにあるシリア難民キャンプには、シリア移民の父を持つスティーブジョブズを描くなど、しばしば政治的メッセージ性のある作品を残しています。 道端で作品を売る いかにも胡散臭いおじさんが道端でBANKSYの作品を売っています。 ニセモノっぽいですが、もちろん本物。 60$の値段がついていますが、オリジナル作品なのでその何千倍の価値があるでしょう。 入場規制として 「ザ・ウォルト・ディズニー・カンパニーの法定代理人」は入場禁止だそうです。 そりゃそうだ。 残念ながら1ヶ月限定でオープンされたとのこと。 また何かやってくれないかな? BANKSYの正体とは? その登場から今日まで、いったいBANKSYとは誰なのか?という議論が繰り返されてきました。 そして今最も有力な説が Massive Attack(マッシヴ・アタック)の3D(= ロバート・デル・ナジャ)という人物。 マッシヴ・アタックは1982年から活動している音楽グループで、 Banksyと同じくイギリス・ブリストルで誕生しました。 下記の記事では、 Massive Attackがライブを行った時期とおなじタイミングでBanksyがその地に作品を残していると報じたニュースに対して3D本人が否定したとされています。 現在最も確度の高い情報とされています。 これに関しても3D本人が認めたわけではなく、結局のところ真相は解明されたわけではないのですが、 かなり信憑性は高いのではないかと思います。 ストリートにこだわる 商業的にも大成功を収めたであろうBANKSY。 しかし作品作りに対するポリシーは変わることはありません。 彼はインタビューで 「リビングやダイニングに飾られることがストリート・アートの宿命だとは思わない。 美術館なんかよりも河川敷のほうが空間として興味深いから」と語っており、お金や名声に囚われることなく、自らのスタイルを貫き通しています。 また、自分の名前がつけられた地元・ブリストルの小学校の教室の壁に自らの絵を描いて子どもたちにプレゼントするなど、 BANKSYを歓迎する社会とのコミュニケーションも活発です。 そして彼はこの壁画と共に、子供たちに対して 「許可をもらうより許してもらう方が常に簡単です。 愛を込めて。 バンクシーより」というメッセージを送りました。 ストリート出身の彼らしく、 そしてまさにその言葉通りに行動をしてきた彼だからこそ言える、非常に説得力のある言葉だと思います。 アートなのか、犯罪なのか こうした話題を取り扱う以上、 アート作品なのか、落書き=違法行為なのかという議論が必ずなされます。 今でこそ高い評価を得たBANKSYの作品も、彼が評価される以前はれっきとした器物破損、犯罪行為にカテゴライズされていたはずです。 しかし彼のように落書きから始まってアートとして評価を受ける例は極めて稀なケースとも言えます。 ぼく個人的には、 アートと落書きの境界線は明確に存在していると思います。 BANKSYはそれを証明してみせたのですから。 グラフィティ界のトップアーティストBANKSY。 次はどんな作品で私たちを驚かせてくれるのでしょうか。 今後の活躍が楽しみです!• 【おすすめ】Amazonでお得にポイントを貯める方法 Amazonで買い物をするならギフト券に現金をチャージするのがおすすめ。 金額に応じて 最大 2.

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